Oscar Howe al Portland Art Museum

Nato nella riserva di Crow Creek nel Sud Dakota, Oscar Howe (1915-1983) ha assorbito attraverso le storie di sua nonna una profonda conoscenza del suo popolo e della loro religione. Questa eredità ha costituito la base permanente della sua arte. In dipinti e disegni, ha esplorato le tradizionali attività quotidiane, le cerimonie sacre e le ricerche di visione solitaria della sua comunità Dakota. Artista fin dalla giovane età, Howe ha studiato nel 1930 presso la Santa Fe Indian School, si è formato come muralista mentre lavorava per la WPA, e alla fine si è unito alla facoltà dell'Università del South Dakota, Vermillion, nel 1957. Sebbene oggi meno noto dei suoi contemporanei più giovani Fritz Scholder (Luiseño) e T.C. Cannon (Caddo / Kiowa), Howe non mancò di riconoscimenti durante la sua vita. Ha ricevuto numerose commissioni pubbliche e molteplici lauree honoris causa e, nel 1960, è stato nominato Artist Laureate of South Dakota.

Lo sviluppo di Howe è chiaro in questa retrospettiva al Portland Art Museum, curata da Kathleen Ash-Milby (Navajo Nation). I suoi primi acquerelli sono provvisori e scarsi, informati dalle convenzioni decorative della ceramica Pueblo promosse nel programma di studio presso la Santa Fe Indian School, dove gli istruttori evitavano la modellazione e la prospettiva a favore di forme saldamente delineate e colori piatti su sfondi indifferenziati. Nei suoi acquerelli, Howe ha infuso questo vocabolario ispirato al sud-ovest con dettagli indiani delle pianure, come si vede nelle colorate insegne Sioux sfoggiate dalle sue figure rigidamente danzanti; Queste opere d'arte etnografiche potrebbero aver risposto alle richieste prevalenti del mercato turistico.

Un maggiore naturalismo entrò nel suo lavoro nel 1940, in scene di caccia o arte in cui le figure siedono o si inginocchiano saldamente a terra, piuttosto che galleggiare isolate sul foglio, come nei primi acquerelli. Nei decenni successivi, Howe, ora a conoscenza approfondita del modernismo europeo attraverso i suoi studi MFA presso l'Università dell'Oklahoma, ha adattato le tendenze cubiste e surrealiste ai soggetti nativi in geometrie fratturate o correnti vorticose di movimento e vita. I suoi ballerini diventano estatici, i suoi cavalli e cavalieri audaci, audaci, flotta.

Nei suoi scritti, Howe minimizzò le sue influenze non native, insistendo invece sull'importanza della pittura di pelle, della decorazione del parfleche e delle perline. Ha tracciato le sue composizioni usando una tecnica point-and-line che ha chiamato tahokmu, o "ragnatela", e ha riferito tutti i disegni geometrici alla forma astratta del diamante di una traccia di zoccoli di cervo. In verità, come attesta questa retrospettiva, la sua era una fusione del tutto originale di astrazione modernista e pianura. Le sue innovazioni sincretiche incontrarono occasionalmente resistenza; nel 1958, la sua presentazione quasi astratta all'Indian Annual al Philbrook Art Center di Tulsa, Oklahoma, fu considerata "non indiana". Howe si irrigidì indignato in una protesta scritta, sostenendo il diritto dell'artista all'individualismo e rifiutando le nozioni di arte nativa come statica e immutabile. Il suo ripudio dei dettami artistici di qualsiasi settore lo rende un modello di libertà creativa.

Un certo numero di immagini di Howe raffigurano figure solitarie in stati trascendenti: ballerini cerimoniali o adoratori che invocano poteri cosmici. In Dakota Medicine Man (1968), un guaritore con copricapo dalle corna di bufalo evoca una tartaruga, simbolo della Madre Terra. Una rete lineare lo circonda, un campo di forza tahokmu scoppiettante di energia spirituale. Il contemporaneo Skin Painter raffigura un artista al lavoro, anch'esso abbracciato da una rete elettrizzante; Incide il diamante della traccia del cervo su una pelle di animale tesa davanti a lui. Come cronista per il gruppo, l'artista tradizionale delle pianure registrava il "conteggio invernale" annuale di eventi significativi per mezzo di pittogrammi su pelle. Come lo stregone, quindi, il pittore di Howe offre le sue capacità individuali al servizio del collettivo.

Questo tema riecheggia nelle immagini che Howe ha fatto della Danza del Sole, molte delle quali sono esposte in questa retrospettiva. I partecipanti a questo sacro rituale si impegnano in una dolorosa auto-mortificazione, un sacrificio simbolico di sé per il benessere del gruppo. La cerimonia ruota attorno a un alto palo, un axis mundi che media il sacro e l'umano. I ballerini si collegano ad esso con corde appuntate al petto, ferendosi al culmine della danza mentre cadono lontano dal palo. In Sacro-Wi-Dance (Sun Dance), 1965, Howe immagina questo climax in arance calde e gialle, in un vortice agitato di sforzo fisico, trascendenza e luce. Nel rendere la scena da terra guardando in alto, inserisce se stesso e i suoi spettatori tra i ballerini – come partecipanti piuttosto che semplici osservatori – invitando a un'identificazione empatica con i corpi nativi nel loro momento sacrificale di estasi disinteressata.

Articolo di Sue Taylor pubblicato sul sito Artnews.com all'indirizzo: https://www.artnews.com/art-in-america/aia-reviews/oscar-howe-portland-art-museum-1234651398/

L'immagine a corredo: Oscar Howe, Dakota Medicine Man, 1968, caseina su carta, 18 per 25 pollici.

PER GENTILE CONCESSIONE DEL NATIONAL MUSEUM OF THE AMERICAN INDIAN E DELLA FAMIGLIA OSCAR HOWE